## Introduction
*Venom: The Last Dance* est une agréable surprise pour les fans de la franchise. Ce nouvel opus parvient à réinventer la dynamique déjà bien établie entre Eddie Brock et Venom tout en explorant des dimensions émotionnelles inédites. Le film prend des risques, allant au-delà des simples scènes d’action pour plonger dans des thèmes plus profonds. Je dois admettre que, bien que sceptique au départ, j'ai été captivé par cette nouvelle approche qui apporte une véritable fraîcheur à l’univers de Venom.
## Performance des acteurs
Tom Hardy incarne de nouveau Eddie Brock avec une intensité qui rend le personnage plus complexe et vulnérable. Sa relation avec Venom est explorée de manière touchante, allant au-delà de la simple camaraderie. Ce film met en lumière les aspects d’amitié et de loyauté, des thèmes qui ajoutent une profondeur émotionnelle surprenante. Hardy parvient à rendre Eddie attachant, tout en dépeignant les dilemmes d’un homme partagé entre ses propres ambitions et sa responsabilité envers le symbiote.
Venom, quant à lui, conserve son humour décalé et ses répliques sarcastiques, mais le ton est plus subtil et nuancé. Ce dosage parfait de l’humour permet d’apprécier le personnage sans que cela n'alourdisse l’histoire. Les interactions entre Eddie et Venom créent des moments mémorables qui contribuent à l’attachement du public pour ce duo hors du commun.
## Scénario et direction
L'intrigue de *Venom: The Last Dance* surprend par sa maturité. Contrairement aux deux premiers volets, ce film s’attarde sur les enjeux psychologiques et les dilemmes intérieurs d’Eddie, tout en restant fidèle à l’esprit des comics. Le scénario prend le temps de poser les bases d’un récit plus introspectif, où la relation entre Eddie et Venom est mise au premier plan. Cela donne au film une dimension plus intime, sans pour autant négliger l’action.
Les dilemmes moraux et les questions identitaires d’Eddie et Venom sont au cœur du récit, offrant une nouvelle perspective sur leur relation symbiotique. La réalisation parvient à équilibrer moments d’intensité et instants de calme, permettant aux spectateurs de s’immerger pleinement dans le monde de Venom. Ce choix audacieux d’une approche plus psychologique distingue cet opus des précédents films de la franchise.
## Visuels et musiques
Les visuels de *Venom: The Last Dance* sont l’un des points forts du film. La direction artistique accentue les contrastes entre Eddie et Venom, symbolisant leur dualité à travers une palette de couleurs sombres, ponctuées de teintes vibrantes lors des scènes d’action. Ces choix visuels renforcent l’ambiance oppressante et parfois mélancolique du film, soulignant les moments de tension et d’émotion.
La bande sonore, quant à elle, accompagne parfaitement les moments d’action tout en accentuant les scènes plus émotionnelles. Le film n’hésite pas à utiliser des silences stratégiques pour renforcer l’impact de certains passages, permettant aux spectateurs de se concentrer sur les interactions entre Eddie et Venom. Cette approche subtile contribue à l’immersion dans le récit sans détourner l’attention de l’essentiel.
## Impact émotionnel et réception
*Venom: The Last Dance* réussit là où les deux premiers films avaient échoué : il crée un véritable lien émotionnel entre le spectateur et les personnages. Les dilemmes d’Eddie, ses faiblesses et ses doutes résonnent profondément, et la relation touchante qu'il partage avec Venom est explorée de manière sincère. Ce film surprend par son potentiel à susciter des émotions fortes, notamment grâce à la vulnérabilité de Venom, rarement mise en avant jusqu'à présent.
Le film semble susciter des réactions positives de la part du public, en particulier ceux qui apprécient une approche plus humaine et nuancée des personnages de super-héros. Ce tournant émotionnel pourrait bien repositionner Venom dans l'univers des films de super-héros, offrant quelque chose de différent des productions récentes.
## Conclusion
En conclusion, *Venom: The Last Dance* est un pari réussi pour la franchise, qui parvient à renouveler l’intérêt du public en apportant une profondeur inattendue à ses personnages. Tom Hardy et le personnage de Venom offrent une performance saisissante, et l’intrigue, bien que plus introspective, n’en reste pas moins captivante. Ce film est un incontournable pour les fans de Venom, tout en étant une porte d’entrée accessible pour ceux qui recherchent une histoire de super-héros avec un angle émotionnel et humain.
*Venom: The Last Dance* redéfinit ce que peut être un film de super-héros, mêlant habilement action, émotion et introspection. Une expérience cinématographique unique qui mérite d’être vue et appréciée à sa juste valeur.

L’idée d’un tueur en série et d’un violeur participant à un jeu télévisé de rencontres ressemble à un concept tellement bidon qu’il ne peut être fondé sur aucune vérité. Pourtant, Rodney Alcala était célibataire dans l’émission The Dating Game en 1979. On estime qu’il a fait jusqu’à 130 victimes. Les meurtres horribles d’Alcala et l’histoire d’une actrice en herbe espérant un grand succès sont tous deux explorés dans la première réalisation d’Anna Kendrick qui prolonge les 30 minutes de diffusion en une enquête sur la misogynie et le silence habituel des femmes. Il s’agit d’une entreprise audacieuse et légèrement tendue que Kendrick réussit en grande partie grâce à une vision formellement exacte et à une narration qui ne s’appuie pas sur des clichés, et qui mêle habilement l’humour et la terreur.
Alcala (Daniel Zovatto, dans une performance terrifiante), un photographe et cinéphile qui a étudié avec Roman Polanski à l’université de New York et qui fait allusion à Days of Heaven, séduit ses victimes en les incitant à devenir les modèles de sa prochaine séance de photos. Le mécanisme de la folie d’Alcala est exposé dans l’ouverture de Woman qui se déroule dans le Wyoming alors qu’il étrangle une victime puis la ranime avant d’accomplir son acte inimaginable. Ensuite, le scénario de Ian MacAllister McDonald change brusquement de point de vue pour montrer Sheryl (Kendrick), une nouvelle venue de Los Angeles qui est humiliée par les auditions alors qu’elle tente d’obtenir un emploi auprès de son gentil voisin (Pete Holmes). Elle n’a aucune idée des véritables horreurs qui l’attendent lorsque son agent l’appelle pour l’informer qu’elle a vraiment obtenu une place moins qu’idéale dans The Dating Game.
Woman of the Hour qui a été filmé par Barbarian et Zach Kuperstein, le directeur de la photographie de The Eyes of My Mother a un schéma visuel très unifié qui unit habilement les différentes tonalités. Qu’il s’agisse de planter le décor dans un parking vide alors qu’Alcala est à sa poursuite ou de révéler lentement un Alcala flou et sa caméra en train de repérer leur prochaine victime, Kendrick parvient toujours à positionner la caméra pour un effet maximal. Les scènes meurtrières du tueur en série sont montrées avec une intensité contrôlée, un peu comme la réaction nerveuse de Sheryl face aux lumières qui la fixent lorsqu’elle monte sur la scène d’un jeu télévisé.En plus de passer d’un point de vue à l’autre, le scénario rebondit également dans le temps. Pour extraire la moindre tension, les monteurs Andy Canny et Lee Haugen coupent fréquemment juste avant les scènes les plus dramatiques, lorsque nous rencontrons les anciennes victimes d’Alcala. Bien qu’il s’agisse d’une décision courageuse de la part de Kendrick et qu’elle permette au film de se dérouler rapidement, cette approche pourrait rendre plus difficile le développement de ses personnages. Elle semble plus intéressée par la crispation des gens que par la découverte de Sheryl ou des autres femmes qui ont été photographiées par Alcala.
On pourrait se demander comment la comédie peut s’insérer dans le processus, étant donné sa prémisse terrifiante mais Kendrick injecte habilement de la légèreté quand c’est nécessaire. La Sheryl de Kendrick commence à dominer le discours du talk-show, jouant sur ses propres talents d’esprit et se moquant des bêtises des autres célibataires, tandis qu’Alcala l’interrompt avec des réponses plus réfléchies. L’examen par Kendrick de la marginalisation des femmes se poursuit lorsqu’une spectatrice (Nicolette Robinson) identifie Alcala et se souvient de l’avoir vu sur une plage un an plus tôt, après que son amie a été violée et tuée. Elle supplie son petit ami, puis la sécurité du spectacle de reconnaître ses craintes. C’est une autre intrigue secondaire qui bien que réussie, ajoute de la tension et une touche de commentaire contemporain qui peut donner l’impression que ce récit est déjà en train d’éclater.
Woman of the Hour ne sera probablement pas la dernière fois que ce récit choquant sera raconté, puisque l’événement authentique a récemment été transformé en téléfilm par Peter Medak, le réalisateur de The Changeling. Cependant, il est difficile d’imaginer une interprétation plus perspicace que celle d’Anna Kendrick. Ses débuts, qui marquent le début prometteur d’un nouveau chapitre de sa carrière sont présentés avec une grande maîtrise narrative et une grande assurance formelle, malgré une certaine sensationnalisation de l’histoire.

Rien dans l’adaptation cinématographique du Salem’s Lot ( Salem) de Stephen King ne semble particulièrement innovant ou différent à moins que vous n’incluiez le fait qu’il veuille simplement être un festival d’épouvante sérieux et vintage. Cela ravira sans aucun doute les fans d’horreur mais cela peut également expliquer la décision de Warner Bros. de garder ce film pendant deux années entières avant de décider de le sortir directement chez Max (après sa première au Beyond Fest). Salem est un film solide et compétent sans jamais être génial ce qui laisse à penser que certains films feraient mieux de sortir directement en streaming plutôt que d’être une valeur sûre pour les salles de cinéma.
En fin de compte, il semble que la télévision soit la plateforme où les adaptations des suites épaisses de King s’épanouissent. Je n’utiliserai pas l’apostrophe qui apparaît parfois avant cette première lettre. La mini-série télévisée Salem’s Lot de Tobe Hooper très appréciée en 1979 a ensuite été réduite au format cinéma pour être distribuée à l’étranger. Une suite théâtrale de 1987 qui s’éloignait de l’histoire de King et n’avait pas la même longévité, a suivi. En 2004, TNT a diffusé une deuxième mini-série adaptée du roman avec Rob Lowe dans le rôle principal. Cela signifie que même si peu de gens auront l’occasion de le voir au cinéma, Salem de 2024 qui a été écrit et réalisé par Ca : Chapitres 1 et 2 est officiellement la première version cinématographique du roman de Stephen King. Le film étant plus court que le livre, Dauberman a simplifié la plupart des arcs de personnages tout en conservant les éléments essentiels de l’intrigue. Il a également conçu une nouvelle fin qui correspond bien à l’histoire et j’imagine que King en est parfaitement satisfait.
L’un des nombreux personnages de King qui est également écrivain, le romancier Ben Mears (Lewis Pullman de Top Gun : Maverick) revisite Jerusalem’s Lot, le petit hameau du Maine où il a grandi. Il se lie d’amitié avec un vieux proffesseur nommé Matthew interprété par l’un de nos grands interprètes, Bill Camp qui a déjà joué dans la production de HBO de The Outsider de King et se lie avec Susan (Makenzie Leigh), une aspirante agent immobilier. De plus, il s’intéresse à la Grande maison sur la colline, une maison sinistre de la communauté qui abrite désormais deux nouveaux locataires : l’effrayant Straker (Pilou Asbaek de Game of Thrones) et l’énigmatique Barlow (Alexander Ward), qui ont ouvert un magasin d’antiquités dans la communauté.
Pendant ce temps, Mark (Jordan Preston Carter), un nouvel arrivant de 11 ans qui fabrique des modèles réduits de monstres à la maison perd deux copains à cause d’une maladie du sang inexpliquée qui semble circuler dans le Lot. Mark s’associe à Ben, Susan, Matthew, Alfre Woodard un médecin local et au père Callahan, un prêtre de la région joué par John Benjamin Hickey, qui rejoindra plus tard la Tour sombre pour tenter de sauver leur ville d’une bande de vampires dirigée par le terrifiant et pâle Barlow.
Comme on peut s’y attendre d’un roman dans lequel Stephen King offre une perspective aérienne d’une de ses villes inventées, il y a beaucoup d’éléments en mouvement dans ce roman. La plupart de ces éléments auraient pu être traités dans une mini-série télévisée mais un film de moins de deux heures doit choisir ses combats.Gary Dauberman a choisi de conserver tous les personnages principaux du livre, mais en échange, chacun d’entre eux donne l’impression d’être la version la plus superficielle de lui-même avec des caractéristiques distinctives à peine esquissées, voire pas du tout. Tout comme dans l’œuvre originale il n’y a tout simplement pas assez de temps pour approfondir le blocage de Ben, la crise religieuse du père Callahan, la passion de Mark pour les films d’horreur ou toute autre nuance. Pullman n’a donc que peu de matière à travailler et le spectateur n’a pas de personnage principal auquel s’identifier. Néanmoins, les acteurs sont très doués et chacun d’entre eux s’acquitte au mieux des tâches qui lui sont confiées par le film. Même si les personnages ne sont que des esquisses, ils sont bien interprétés.
Dauberman compense son incapacité à approfondir ses personnages par une production magnifique qui, sans être trop ostentatoire, semble intemporelle et chic. Le fait que l’histoire se déroule dans les années 1970 a été une sage décision car cela permet d’installer un cinéma drive-in, la nouveauté la plus importante de cette adaptation. Dauberman, qui a également scénarisé une poignée de films de l’univers Conjuring et fait ses débuts de réalisateur avec Annabelle Comes Home, fait preuve d’un œil visuel aiguisé et parsème le film de transitions de scènes incroyablement inventives. Les vampires du film ont l’apparence idéale. Avec leurs yeux sinistres et lumineux, ils sont incroyablement troublants lorsqu’ils flottent et s’assoient sur les toits. L’incertitude la plus importante était la forme que prendrait Barlow car l’adaptation de 1979 s’écartait considérablement de l’intrigue du roman. Dauberman a pris la bonne décision en modernisant la célèbre apparence au lieu de revenir à la némésis originale de King, plus facile à comprendre.
Quelques autres éléments mineurs permettent à Salem de franchir l’obstacle et de devenir un film de saison digne d’intérêt. Lorsque les croix sont utilisées comme armes, elles tirent les vampires vers l’arrière comme s’ils venaient de recevoir un coup de fusil et j’apprécie la façon dont elles s’illuminent d’un blanc éclatant. La métaphore du petit village américain qui meurt dans Salem est suffisamment présente pour en faire une œuvre de fiction. Quiconque prétend qu’il s’agit du meilleur récit de cette histoire spécifique aura du mal et le film prend beaucoup de libertés avec les clichés sur les vampires comme les croix et l’eau bénite à tel point qu’il peut paraître cliché. (Depuis la parution du livre de King, les mythes sur les vampires ont été démantelés, reconstruits, transformés en romans pour jeunes adultes et tout ce qu’il y a entre les deux). Cependant, l’image de Dauberman est suffisamment bonne pour que je pense qu’elle plaise à ceux qui apprécient une interprétation indûment conventionnelle de la légende des vampires ainsi qu’aux fans de King qui ont suivi cette histoire, à travers toutes ses itérations, depuis le début.
Horreur News

Tous les cinéphiles n’ont pas besoin d’attendre Halloween pour faire la queue pour quelques bonnes frayeurs. En outre, la tension dans « Speak No Evil » est abondante et James McAvoy offre une performance qui ne manquera pas de vous effrayer. Bien qu’il ne soit pas aussi emblématique que « Get Out » qui est un hybride d’horreur et de satire sociale, il parvient néanmoins à offrir suffisamment de suspens pour que vous restiez rivé à l’écran.
Dans le rôle de Paddy, un médecin britannique en vacances dans la Toscane ensoleillée en Italie avec sa femme Ciara (Aisling Franciosi) et leur fils Ant (Dan Hough) qui est né sans langue et ne parle pas, McAvoy, le diable souriant des films « Split » et « Glass » de M. Night Shyamalan, se fait cette fois un peu plus insaisissable.
Lorsque sa famille croise la route de la jeune mère Louise Dalton (Mackenzie Davis) qui visite l’Italie avec son mari Ben (Scoot McNairy) et leur fille Agnes (Alix West Lefler), c’est au bon docteur d’user de son charme.
Ces Américains ont déménagé à Londres à la recherche d’une nouvelle vie après le licenciement brutal du dernier emploi de Ben. De plus, après avoir pris le temps de se connaître, les deux familles communiquent à merveille.
Il ne faut pas s’attendre à ce que ce soit le cas. Vous risquez d’être décontenancé un court instant lorsque Louise et sa famille reçoivent une carte postale de Paddy les invitant à passer les vacances dans leur propriété isolée. L’adjectif « isolé » a ici toute son importance. Louise, naturellement prudente hésite d’abord mais Ben se demande : « Qu’est-ce qui pourrait aller de travers ? ».
Dès que Paddy commence à agir un peu trop fortement, les micro-tensions commencent immédiatement. Et McAvoy qu’il soit béni sait très bien comment un sourire peut devenir ombrageux si la caméra s’attarde sur lui pendant un temps excessif.
Il est important de noter que « Speak No Evil » est une adaptation en anglais de l’excellent thriller danois de Christian Tafdrup datant de 2022. Cette expérience terrifiante a eu le courage de défendre ses propres convictions sinistres selon lesquelles les bonnes manières peuvent être mortelles.
Le scénariste et réalisateur de cette ré-imagination hollywoodienne, James Watkins (« Eden Lake », « The Woman in Black »), fait de son mieux pour maintenir la tension dans le public. Cependant, il supprime la fin choquante du film original qui en a fait un film culte.
Le film « Speak No Evil » ré-imaginé présente un dénouement soigné et étonnamment discret à la place du final dramatique du premier film. La décision de Watkins de ne pas suivre la voie traditionnelle et d’essayer quelque chose qu’il pense être plus adapté au box-office est incroyablement différente.
Regarder McAvoy et Davis se battre, opposant le Grand Méchant Loup à la Mère Poule offre une compensation. Les enfants participent également à l’action, essayant, sans pouvoir parler d’avertir Agnès de l’imminence d’une mauvaise action de la part de ses parents.
McAvoy a une présence captivante à l’écran (voir le film « Reviens-moi » qui a été nommé aux Oscars) et il est trop doué en tant qu’acteur de théâtre de formation classique (« Macbeth », « Cyrano de Bergerac ») pour se limiter à jouer les méchants bien qu’il soit tout à fait doué dans ce domaine. Qui aurait cru que voir McAvoy se déhancher sur « Eternal Flame » des Bangles pouvait vous glacer le sang ?
Davis, qui a été remarquable dans « Tully », « Halt and Catch Fire » et dans l’épisode « San Junipero » de « Black Mirror », lauréat d’un Emmy, démontre qu’elle est tout à fait capable d’affronter McAvoy en tête-à-tête dans ce qui sera sans aucun doute le dernier combat de Louise.
Les Américains s’en sortent pratiquement indemnes jusqu’à ce qu’ils retournent à la ferme à la recherche d’un jouet pour enfant. C’est un cliché d’horreur vintage qui peut donner envie de soupirer. Je suppose que cette fête de la terreur renversera les clichés de l’invasion de domicile et vous fera vivre une expérience excessivement intense et agréable.
Si vous voulez rester éveillé toute la nuit dans un cauchemar sans fin, le « Speak No Evil » de 2022 reste la meilleure option.

L’horreur et l’humour sinistre des films Alien se trouvent dans leurs épiphanies : un équipage imprudent tombe dans un cauchemar parasitaire qui se manifeste brusquement et graphiquement. Naturellement, depuis l’original de 1979 de Ridley Scott, le choc est devenu quelque peu insensible ; il a été reproduit dans sept autres films et le huitième, Alien : Romulus en 2024. Le déroulement visqueux d’un monstre se cachant juste au-dessus de la tête des héros, l’éclatement dramatique de leur poitrine ou l’agrippement du visage au crâne d’un pauvre bougre sont autant de choses auxquelles nous nous attendons. Cette conception est bien connue. Cependant, lorsqu’ils sont bien exécutés, ces rythmes répétitifs sont incroyablement efficaces et ce n’est pas pour rien que la franchise a perduré.
Cependant, au cours des douze dernières années, les films Alien ont incorporé beaucoup de mythologie sur la terrible origine de la vie sur Terre et sur d’autres planètes du cosmos. Dieu et les dilemmes existentiels ont remplacé l’élégante caractéristique des créatures. Il devient de plus en plus difficile de savoir si c’est la philosophie nihiliste et sombre ou les répugnantes frayeurs qui sont censées nous captiver. Romulus qui recherche à la fois l’efficacité et un sens élaboré est déchiré entre ces deux approches.
Le film de Fede Álvarez esthétiquement plaisant et intensément sombre est une autre tragédie d’Alien sur des individus piégés dans des circonstances impossibles et sans aucun doute mortelles. Cette fois les personnages sont de jeunes gens issus d’un système de travail sous contrat géré avec une hostilité capitaliste par la Weyland-Yutani Corporation, la force maléfique qui a plané sur presque tous les films de cette série désorganisée. Rain (Cailee Spaeny) et ses compagnons se retrouvent bloqués sur une colonie minière nocturne permanente, un endroit désolé qu’il semble impossible de quitter. Ils finiront probablement par mourir au travail comme l’ont fait leurs parents. Néanmoins, Rain se languit d’une lointaine tache de soleil. Elle pense qu’elle doit profiter de l’occasion pour s’échapper de sa prison en volant des capsules de cryo-sommeil.
L’objectif est de voler une station spatiale Weyland-Yutani qui serait abandonnée et flotterait dans l’éther au-dessus de nos têtes. Naturellement, il y a des créatures à bord de ce vaisseau et Rain et ses compagnons les rencontrent avec des résultats effroyables. Les compositions d’Álvarez dans ce segment d’ouverture sont sales dans un sens majestueux, émulant efficacement l’impression de délabrement du film précédent avec ses salles lugubres et son équipement grinçant. De plus, il y a un écho bienvenu à l’élégie d’Alien pour la classe ouvrière qui est sévèrement punie pour avoir seulement essayé de vivre un peu mieux. Cependant, Romulus est également plus orienté vers l’action que son parent de 45 ans nécessitant l’utilisation d’images de synthèse et de scènes spectaculaires pour contrebalancer l’horreur condensée et réaliste du premier volet du film.
Situé entre Alien et Aliens, Romulus semble à première vue être une simple « requalification » d’Alien. Il s’agit en fait de la même prémisse étriquée mais avec une touche plus contemporaine et une volonté d’étendre l’intrigue dans le futur. Un peu comme The Force Awakens qui ressemblait beaucoup à la trame de Star Wars sans la modifier. Cependant, au fur et à mesure que Romulus progresse, il incorpore des aspects des films Aliens (1986), Prometheus (2012) et Alien : Covenant (2017), se transformant en une parodie de toute la série. Peut-être un peu excessif, il regorge de rappels et d’œufs de Pâques comme les aiguillons électriques utilisés par Harry Dean Stanton dans Alien avec un flashback de la bande-son de Prometheus pour rappeler ce film aux spectateurs tout en essayant de créer son propre jargon. Bien que l’ajout de Romulus à la théorie émergente de l’ADN et des graines de la vie soit sans aucun doute répugnant et effrayant, il s’agit essentiellement d’un remaniement moins intéressant des concepts les plus scandaleux de Prometheus et de Covenant.
Quelque chose de baroque finit par émerger de ce qui commence comme une simple frayeur « il y a un monstre dans la pièce avec nous ». Romulus tente de contrebalancer cette montée en puissance en inscrivant l’histoire dans un récit personnel : L’affection intense de Rain pour son « frère », Andy (David Jonsson), un androïde quelque peu défectueux dont les erreurs de câblage en font une métaphore peu subtile des personnes neuro-divergentes dans notre monde réel. Dans un film qui est souvent implacablement dur envers ses personnages, la partition sentimentale turgescente et discordante de Benjamin Wallfisch est la plus évidente lorsque Rain et Andy partagent des troubles émotionnels avec des sons étrangement larmoyants. De telles divagations sur l’identité et la famille pourraient être attribuées à des sensibilités millénaires plus douces, je suppose.
Néanmoins, le film réussit à atteindre son objectif le plus fondamental. Deux actes plus tard, un gadget gravitationnel introduit au début est utilisé de manière satisfaisante. Il réussit à capturer l’émerveillement et la désolation de la majesté rugissante de l’espace extra-atmosphérique. La distribution, qui comprend également Isabela Merced, Spike Fearn et Archie Renaux, transmet de manière éloquente l’horreur déchirante de rencontrer un adversaire aussi vicieux, non terrestre et enfermé dans un piège à sang acide. Romulus aurait pu être bien pire s’il n’avait pas été dirigé par quelqu’un ayant le niveau de préoccupation et d’attention d’Álvarez.
Cependant, la question se pose de savoir combien de fois encore nous pourrons assister à cette séquence d’événements. Sur des mondes énigmatiques, dans l’espace et même sur Terre, nous en avons été témoins. (Cette dernière sert de toile de fond aux films Alien vs. Predator que je classe peut-être injustement dans la même franchise). Même si Romulus est sans aucun doute élégant, il y aura probablement une croyance croissante que la seule façon d’atteindre l’originalité est de décorer davantage. Il est peut-être ironique que Romulus et ses frères soutiennent si fortement que la poursuite d’une meilleure forme par le biais d’une expérimentation risquée conduira finalement à un désastre. Il est difficile de croire à ces leçons. Hollywood et Weyland-Yutani continuent de penser que si l’expérience échoue, il est plus sage de la retenter plus tard en utilisant des techniques plus avancées et plus risquées.

## Introduction
“Joker: Folie À Deux” suscite des avis partagés, et pour ma part, mon ressenti est mitigé. À ce stade du film, j’ai l’impression qu’il n’existe que pour prolonger une histoire déjà bien établie. Toutefois, l’intrigue demeure globalement cohérente par rapport au premier opus. Un des aspects qui me dérange est la longueur des passages musicaux, qui, bien que magnifiquement exécutés, rompent parfois l’intensité de l’expérience. Le public, de son côté, attendait une suite grandiose, capable de rivaliser avec les plus grands films de la saga. Personnellement, je n’avais pas d’attentes particulières, conscient qu’il serait difficile de surpasser la magie du “Joker” de 2019.
## Performance des acteurs
Joaquin Phoenix incarne le Joker avec une intensité physique et une présence saisissante. Son interprétation se distingue de celle d’autres acteurs, comme Heath Ledger, apportant une originalité à son personnage. Cependant, j’ai l’impression que le Joker de ce film est plus transparent, redevenant presque un homme ordinaire, ce qui contraste avec la profondeur de son personnage dans le premier film. Ce nouvel opus dépeint un Joker naïf, tandis que la Harley Quinn, jouée par Lady Gaga, semble très similaire à celle que l’on connaît, bien que son histoire soit proche de celle des autres adaptations.
Une des scènes les plus marquantes est celle du début, où l’on découvre un Joker au plus bas, dépourvu de volonté. Lady Gaga, quant à elle, reste encore floue à mes yeux, et je suis curieux de voir comment son personnage évoluera. De plus, un autre personnage qui a attiré mon attention est le garde d’Arkham, dont le rôle en tant qu’ami ou ennemi d’Arthur Fleck semble crucial. Je suis impatient de découvrir l’importance de cette relation dans le film.
## Scénario et direction
Le thème de “Joker: Folie À Deux” est difficile à cerner. L’histoire semble se concentrer sur la guérison d’Arthur et l’élimination du Joker, tout en explorant une relation en développement avec Harley Quinn. Bien que ce récit soit partiellement cohérent avec le premier film, qui représente la chute d’Arthur Fleck et la naissance du Joker, cette suite inverse ce processus, même si je soupçonne une fin qui pourrait déjouer nos attentes. Le scénario reste fortement lié au premier film.
Cependant, un des aspects qui m’a déçu est l’élément de comédie musicale. Bien que ce concept ajoute une certaine profondeur et attachement aux personnages, les longueurs des passages musicaux interrompent le fil de l’histoire de manière frustrante.
En ce qui concerne la direction de Todd Phillips, je préfère laisser le jugement à ceux qui maîtrisent mieux cet art. Néanmoins, je pense qu’il n’a pas réussi à établir l’attachement aux personnages que le premier film avait su créer. L’atmosphère immersive est souvent perturbée par ces longues séquences musicales.
Le premier “Joker” a apporté un véritable renouveau au genre et au cinéma, avec un culot surprenant. Malheureusement, cette suite ne semble pas offrir grand-chose de plus que ce que le premier a déjà accompli, ce qui est d’autant plus dommage.
## Visuels et musiques
Le choix visuel et la direction artistique de “Joker: Folie À Deux” constituent l’un des points forts du film. Les couleurs utilisées sont magnifiques et illustrent parfaitement la solitude d’Arthur Fleck, dont seul le Joker est la compagnie. L’arrivée de Harley Quinn apporte une touche de couleur à cette solitude, enrichissant ainsi la dynamique des personnages.
Concernant la musique, l’aspect comédie musicale est une idée intéressante qui ajoute de la variété au film. Cependant, les passages musicaux sont beaucoup trop longs et rompent l’intensité narrative. Bien qu’il y ait 2 ou 3 morceaux qui jouent un rôle crucial dans le scénario, la plupart semblent superflus et nuisent à la fluidité de l’histoire.
## Impact émotionnel et réception
Étonnamment, “Joker: Folie À Deux” ne m’a pas suscité d’émotions ni d’attachement aux personnages, ce qui est probablement une première pour moi. Dans le premier film, j’avais été touché par la vulnérabilité d’Arthur, par ses déceptions et ses trahisons. Ici, bien que je reconnaisse la prise de contrôle du Joker, je n’ai pas ressenti le même lien émotionnel, ce qui a rendu mon expérience moins engageante.
Le film semble également mal reçu par le public, bien que je ne puisse pas déterminer exactement pourquoi. Les retours négatifs affluent, et il est clair que beaucoup n’ont pas été convaincus. Comme je l’ai mentionné précédemment, une amélioration de l’aspect comédie musicale aurait pu corriger certains des problèmes qui freinent l’impact du film.
## Conclusion
En résumé, “Joker: Folie À Deux” tente d’explorer de nouvelles dimensions du personnage emblématique, mais échoue à capturer l’essence émotionnelle qui avait tant marqué le premier film. Malgré des choix visuels impressionnants et des performances solides, le film ne parvient pas à établir un lien fort avec le public. La combinaison des éléments musicaux, bien que créative, nuit à l’intensité de l’histoire et à l’attachement aux personnages.
Pour ceux qui espéraient une suite à la hauteur du premier “Joker”, cette nouvelle aventure pourrait décevoir. Je recommande ce film aux amateurs de l’univers du Joker, mais avec des attentes modérées.

A missed one. They have try to resurrect (!) "Rosemary baby" but it's far away ftom a success. The characters, the pace, the scènes, the screaming, nothing new and appealing. You will watch to the end to knew what and .... missed again !

The Substance est un film d’horreur corporelle féministe à la fois choquant et poignant, désarmant de grotesque et étrangement divertissant. Je ne veux pas dire qu’il s’agit d’un patchwork de curiosités punk postmodernes comme « Titane » ou d’un exercice sophistiqué de noirceur comme les films de David Cronenberg. L’auteure-réalisatrice de The Substance Coralie Fargeat a une voix en italique, conflictuelle, accessible et d’un extrême exaltant. Elle utilise abondamment la flamboyance exagérée qui caractérise désormais les films d’horreur des mégaplex. Cependant, The Substance est le produit d’un cinéaste visionnaire, contrairement à 90 % des films de ce type. Elle a un message primordial à nous transmettre.
Dans le film, Demi Moore joue le rôle d’Elisabeth Sparkle, une actrice hollywoodienne âgée qui devient animatrice de séances d’aérobic et est renvoyée d’une chaîne de télévision parce qu’elle est désormais considérée comme trop vieille. Dans un élan de désespoir, elle compose un numéro qui lui a été donné anonymement et devient membre de The Substance, un terrifiant programme de science-fiction visant à améliorer le corps. Une pléthore de fournitures médicales, dont des seringues, des tubes, un liquide vert phosphorescent et un produit alimentaire injectable blanc et gluant, lui sont présentés dans des boites en carton. Elle est également informée du processus relatif à son nouveau moi, qui selon le programme sera également son ancien moi. Les directives précisent : « Vous deux ne faites qu’un. » Qu’est-ce que cela signifie ?
En conséquence, Elisabeth s’évanouit sur le sol de la salle de bain après avoir administré les injections, sa peau se fend sur toute la longueur de sa colonne vertébrale et sa nouvelle identité qui est un exemple « parfait » de jeune femme sexy et vibrante, telle qu’elle est représentée par Margaret Qualley émerge comme les nacelles qui émergent des humains dans « L’invasion des profanateurs de cadavres ». Voici ce qu’il en est : Pendant une semaine, Sue la jeune remplaçante est libre de partir à la conquête du monde. Elle réussit à décrocher son propre programme de fitness, « Pump It Up with Sue ». Une star est née. Puis elle doit se coucher en hibernation tandis qu’Elisabeth est de nouveau sur pied avec son visage et son physique identiques. Les deux se nourrissent mutuellement ce qui permet à Elisabeth d’« être » Sue une semaine sur deux. C’est un peu comme « Dr. Jekyll et Mr. Hyde » raconté comme un rêve/cauchemar de la culture de l’amélioration cosmétique qui vaut des milliards de dollars.
L’approche de Fargeat qui n’a réalisé qu’un seul long métrage (Revenge, 2017) pourrait être qualifiée de cartoon grindhouse Kubrick. Cela ressemble à « Orange Mécanique » combiné aux visuels dynamiques d’une publicité télévisée moderne. En plus d’aspirer les influences à la manière de Brian De Palma (bien qu’il soit l’un d’entre eux dans ce cas), Fargeat préfère les super gros plans (de voitures, de parties du corps, de repas et de baisers) avec les sons qui les accompagnent. L’histoire de Jekyll et Hyde a été répétée d’innombrables fois mais Fargeat dans son orgueil créatif, l’associe à « Showgirls » et même cela ne lui suffit pas. Elle utilise abondamment la scène hallucinogène de « Shining » où Jack Torrance berce une jeune femme dans une baignoire et la voit se transformer en vieille bique ricanante. En outre, les images de Fargeat rappellent l’explosion d’une bête au visage grimaçant dans « The Thing » de John Carpenter, le bain de sang de « Carrie » et la dépendance qui se transforme en peur dans « Requiem for a Dream ».
Tout cela est unique parce que Coralie Fargeat le combine avec sa fureur féministe sur la façon dont le monde de l’image a dominé les femmes et sa propre voix rageuse (elle préfère un vocabulaire minimal qui sort tout droit d’un roman graphique). Cependant, il faut d’abord s’habituer à la démesure. On a envie de grimacer autant qu’elle lorsque Dennis Quaid vêtu de vestes de costume brodées de façon baroque joue le patron impitoyable effronté d’un cadre de la chaîne qui a décidé de licencier Elisabeth. Il déjeune avec elle tout en s’enfilant des crevettes comme un “porc” à une distance qui semble être de cinq centimètres du public. Cependant, Fageat s’entend vraiment bien avec ses interprètes ; elle est consciente que le charisme de Quaid même lorsqu’il joue un vulgaire personnage du showbiz aussi répréhensible que celui-ci, le rendra très regardable.
En outre, Demi Moore a livré une performance absolument courageuse. Son jeu est teinté de rage, de peur, de désespoir et de représailles, alors qu’elle dépeint une version d’elle-même autrefois une star au centre de l’univers, aujourd’hui suffisamment âgée pour être considérée comme dépassée par l’Hollywood sexiste et d’une manière très abstraite. « The Substance » comporte beaucoup de nudité dans la mesure où le film tente de faire du regard masculin la pierre angulaire de son style. Cependant, il ne le fait que pour démêler l’écheveau du voyeurisme. L’assurance de Sue est rendue magnétique par Margaret Qualley et la conception satirique du film incorpore la capacité de Sue à se présenter comme un « objet ». Elle « donne aux gens ce qu’ils veulent » et respecte les règles. Je pense qu’il est évident que Qualley deviendra une grande star, et vous pouvez voir pourquoi dès maintenant. Elle ajoute un élément d’intrigue à ce rôle stylisé. Car « The Substance » est en fin de compte une histoire d’egos en conflit, avec le moi amélioré d’Elisabeth et son vrai moi engagés dans une lutte pour la suprématie.
Horreur News

Allez voir Le silence des agneaux si cela vous semble être une histoire passionnante. Longlegs suit un concept similaire jusqu’à ce que le film dévie vers quelque chose de beaucoup plus stupide et je ne suis donc pas aussi enclin à le recommander. Si le silence… a sans aucun doute eu un impact sur le film, Longlegs s’inspire également de Hereditary, Se7en et d’autres excellents films d’horreur. Il s’agit d’un patchwork réalisé avec goût, sans signification inhérente.
Osgood Perkins, le réalisateur du film, situe l’histoire au début des années 1990, une période que le concepteur de production Danny Vermette et le directeur de la photographie Andres Arochi capturent remarquablement dans toute sa fadeur. Le film prend son temps, entraînant sa protagoniste, l’agent du FBI Lee (Maika Monroe), dans un gouffre. Elle a été chargée d’enquêter sur une série de crimes qui entraînent la dévastation de familles , des cas où un père tue sa femme, ses enfants, puis lui-même. Des notes laissées sur chaque scène de crime, écrites selon un code relient d’une manière ou d’une autre ces incidents. Carter, le supérieur de Lee (joué par Blair Underwood), est curieux de ce lien ; peut-être qu’un meurtrier est là, persuadant ces hommes de commettre ses meurtres en son nom.
La première partie du film est captivante, avec une séquence d’images horribles qui sont sporadiquement et horriblement interrompues par un bruit sourd à la porte ou une silhouette qui se faufile à l’arrière-plan. Osgood imite les incarnations précédentes, mais il le fait avec un style sûr et élégant. Longlegs est un film en trois chapitres et les scènes isolées et puissantes de la première partie laissent présager quelque chose de grand et d’effrayant. Que se cache-t-il au-delà du couloir faiblement éclairé du film ? Quel est précisément l’objet qui frappe à la porte ?
Je crains que les réponses ne jettent le film dans un état d’incohérence. En plus de plusieurs autres éléments de l’histoire qui impliquent qu’Osgood conduisait à l’aveuglette depuis tout ce temps, il y a un élément de culte satanique. La fin du film n’a pas vraiment de sens et ne satisfait pas ; au contraire, elle ressemble à un tas de spaghettis jetés contre un mur. Alors qu’il est courant d’apprécier un peu d’ambiguïté ou de contradiction dans les films d’horreur, Longlegs dépasse rapidement l’obscurité intéressante pour entrer dans le domaine de la stupidité ennuyeuse. Pire encore, on a l’impression qu’Osgood se moque du public qui a l’audace de croire que quelque chose de positif pourrait émerger de son habile mise en scène.
Nous aurions peut-être dû nous rendre compte que les choses allaient devenir ridicules dès que nous avons vu Nicolas Cage se cacher derrière une perruque filandreuse et un fouillis de prothèses pour jouer le rôle du tueur en titre. Quand il en a envie, Cage peut être un grand acteur, mais il peut aussi être un cabotin ennuyeux. Il rit et chante et il trille et rugit dans Longlegs. Le concept des tics tordus du tueur en série est quelque peu archaïque et écrase la belle froideur du film d’Osgood par des théâtres ridicules.
Pour être juste envers Cage, Osgood encourage définitivement cela, entraînant Monroe et Cage dans un dernier acte absurde mais pas agréable. À l’instar de plusieurs films de genre très attendus mais finalement insatisfaisants, Longlegs semble avoir été créé comme une compilation de scènes montées dispersées sur l’Internet rempli de blagues. Cage n’est qu’un élément supplémentaire de cette formule trompeuse, une sorte de sonnerie utilisée pour garantir une certaine viralité.
Toutefois, il se peut que l’agaçant coup de gueule de la conclusion du film ait été fait à dessein pour provoquer une réaction viscérale chez les spectateurs au moment où ils sortent leur téléphone pour quitter le cinéma. Ou bien ce qui est bien plus terrible, tout cela a été fait avec sincérité. Quoi qu’il en soit, Longlegs est à la mode, mais sans intérêt basé sur une image d’anticipation qui n’a rien pour la soutenir. C’est, comme Hannibal Lecter pourrait le dire, un coquin bien soigné et travailleur avec un soupçon de sophistication.

Titre : **Argylle, le James Bond Hollywoodien**
**Introduction**
Argylle, prononcé "Argaïle" et non "argile" comme beaucoup l'ont initialement pensé, est un film réalisé par Matthew Vaughn, connu pour ses œuvres humoristiques telles que Kingsman ou Kick-Ass, dont les succès maintiennent son ratio à un niveau raisonnable. Ce dernier opus, vivement mis en avant par Apple pour sa plateforme Apple TV+, propose un aspect certes intéressant de par son casting et sa bande-annonce qui, au premier abord, semble captiver plus d'un.
**Intrigue et Réalisation**
L'intrigue est l'élément vital d'un film. Or, Argylle en possède une, bien que je sois encore à la recherche de sa compréhension après l'avoir vu une fois au cinéma et une fois en streaming. Il y a clairement une volonté de se démarquer de concurrents tels que les James Bond de Ian Fleming, ce que je respecte. Cependant, cette tentative ne se distingue pas significativement d'une œuvre telle que Kingsman, qui offrait des scènes bien réalisées et une histoire aux enjeux réalistes, sans être tirée par les cheveux.
**Performances**
Je tiens à faire une mention spéciale à la longue carrière de Samuel L. Jackson qui, quel que soit le rôle, sait toujours marquer son passage. Néanmoins, en raison de l'intrigue et de la connexion de ce film avec d'autres opus du même réalisateur, ainsi que d'une scène particulière, sa présence semble peu justifiée. On ressent qu'il est là pour "toucher son chèque", vu le peu de temps d'écran. À l'opposé, nous avons un couple d'acteurs qui, selon moi, bénéficie de beaucoup trop de temps d'écran pour l'utilité qu'ils apportent au film.
**Visuels et Bande Sonore**
Avec le budget fourni par Apple, ce film devait servir de vitrine pour sa plateforme de streaming et pour le rôle que l'entreprise souhaite jouer dans l'industrie cinématographique. Le film nous offre donc des effets spéciaux et des paysages plaisants, voire agréables, ce qui constitue le seul point fort du film. La bande sonore, quant à elle, est passée inaperçue, et il m'est difficile de me rappeler un quelconque son à l'exception du miaulement d'un chat.
**Conclusion et Recommandation**
En conclusion, Argylle fait figure de cousin de Kingsman, n'ayant pas obtenu le premier rôle mais tentant malgré tout de se démarquer. L'idée aurait pu être excellente. Le projet semblait prometteur, du moins en apparence, s'il avait bénéficié d'un meilleur scénario sans chercher à créer un suspense artificiel et répétitif avec le spectateur. Malheureusement, la prévisibilité de la majorité des scènes leur fait perdre de l'intérêt. Il reste néanmoins un film à découvrir pour l'expansion de cet univers, qui s'avère être plus riche qu'attendu. Je vous le recommande surtout pour la scène post-générique et, éventuellement, pour la première heure du film, seul moment réellement captivant.

Une grande partie de la filmographie de **M. Night Shyamalan** est centrée sur les dangers paranormaux et extérieurs auxquels ses personnages doivent affronter stoïquement. Cependant, dans certaines de ses œuvres, les humains constituent la véritable menace en raison de notre tendance innée à la cruauté et à la violence envers les autres. Pour aller plus loin, l’antagoniste de son dernier film en est également le protagoniste : Cooper Adams, le père séduisant et ringard interprété par **Josh Hartnett** qui emmène sa fille préadolescente Riley à un concert de pop pour découvrir plus tard que toute l’affaire n’est qu’une opération d’infiltration sophistiquée. Et la cible, c’est lui.
En d’autres termes, lorsque Cooper n’est pas en train de passer du temps avec sa famille ou de travailler aux pompiers de Philadelphie, il tue des gens dans le quartier en incarnant ‘Le Boucher’ un tueur en série qui a déjà fait 12 victimes confirmées et qui a une autre victime potentielle enchaînée dans un sous-sol (la bande-annonce l’a révélé, dissipant le « twist » typique auquel les spectateurs se sont habitués dans le film). Maître de la compartimentation, Cooper n’apprécie pas que ses deux mondes entrent en collision de manière aussi violente. Il commence à réfléchir à un moyen d’échapper à la profileuse criminelle Josephie Grant (**Haley Mills**) sans révéler son identité ou gâcher le concert de sa fille qui a déjà des difficultés à l’école sans avoir à gérer le bagage d’un père tueur en série.
Durant les quarante-cinq premières minutes, Cooper tente d’utiliser la tromperie et la séduction pour pénétrer dans des endroits où il n’est pas censé aller, mentant effrontément et blessant même mortellement un employé de service pour tenter de prendre le dessus. Même si le concept d’un concert comme poudrière est excellent, il n’est pas exploité à son plein potentiel et finit par laisser place à un troisième acte moins expérimental et plus traditionnel. Bien que certains indices laissent penser à une éducation difficile, la profession de Cooper en tant que travailleur des services d’urgence pourrait être plus efficacement utilisée pour illustrer le phénomène de conformité sociale. Cependant, on ne sait rien des raisons qui ont motivé sa folie meurtrière délibérée. Pour l’instant, Cooper ne rencontre pas vraiment de difficultés jusqu’à ce qu’il affronte Lady Raven (**Saleka Night Shyamalan**), la star pop qui est l’idole de sa fille.
Si l’intrigue est un peu décevante, la plus grande réussite de Trap a été d’avoir choisi Hartnett, qui brille à la fois en tueur de sang-froid qui connaît tous les bons gestes et ne se laisse pas faire sans se battre et en père maladroit qui essaie de créer des liens avec sa fille. Cela faisait trop longtemps que nous n’avions pas vu Hartnett dans un rôle principal décent même s’il était excellent dans son petit rôle d’Oppenheimer. Kid Cudi fait une apparition amusante dans le rôle de l’un des collaborateurs de Saleka mais la fille de Shyamalan, Saleka, défie également les accusations de népotisme en s’établissant comme une artiste pop respectable qui a écrit et interprété toutes ses propres chansons.
Il est difficile de capturer le chaos et le spectacle d’un concert pop, mais le directeur de la photographie **Sayombhu Mukdeeprom**, mieux connu pour son travail avec **Luca Guadagninoo** et **Apichatpong Weerasethkul**, livre une performance solide et de nombreux aspects techniques du film sont impressionnants mettant en valeur l’amour et l’admiration continus de Shyamalan pour ce média. Trap nous rappelle que, malgré son expérience des films basés sur la propriété intellectuelle (ses deux précédents étaient des adaptations), Shyamalan reste l’un des rares réalisateurs de premier plan qui semble déterminé à raconter des histoires originales. Sa capacité à développer des personnages convaincants et à choisir les bons acteurs pour les incarner compense souvent les scénarios qui manquent d’idées élaborées.
Horreur News

Formidable biopic sur « le père de la bombe atomique ». C’est brillant, passionnant – les 3 heures de projection passent aussi qu’un film standard –, fidèle semble-t-il à l’histoire. Histoire qui se déroule en alternance habile entre le temps de la conception, avant 1945, et le temps de la chasse aux sorcières, 1954 et l’ineptie du maccarthysme. C’est un peu sinueux mais on ne s’y perd pas grâce à l’alternance couleurs/noir et blanc. Le brio est partout, dans la mise en scène, le montage, les décors, la photographie, la direction d’acteurs. Et quels acteurs ! Certains primés, ils sont tous remarquables, Cillian Murphy – Oppenheimer – étant pour sa part réellement possédé par son rôle. Impressionnant.
Quant au fond, il va de la fresque politique avec ses minables personnages aux doutes intimes des grands scientifiques à l’égo démesuré qui voudraient apporter le progrès et qui paradoxalement sèment la désolation. C’est l’histoire d’un homme complexe et hors du commun mais aussi celle des États toujours aussi versatiles et hypocrites qu’ingrats et inhumains.
Au final, un très grand film de Nolan qui vaut plus que ses blockbusters à succès éphémère. Celui-ci restera dans les mémoires.

Si vous allez voir ce film en espérant voir un film d’action, vous serez probablement déçu, comme le furent une toute petite minorité dans la salle. Si vous avez compris ce que vous venez voir, alors vous visionnerez probablement le chef d’œuvre auquel vous pensiez assister.

« **Avengers: Endgame** » est un excellent film de super-héros disposant d’une histoire captivante, d’une intrigue simple et d’un développement époustouflant pour un final héroïque. Le rythme offre de bonnes variations avec des points culminants, le récit est fluide et la narration permet aux personnages de voyager dans le temps et de parfois se confronter à eux-mêmes. La photographie est somptueuse avec des effets spéciaux bluffants, la bande musicale est soyeuse et le montage est astucieux. La distribution surabondante offre de bonnes prestations dans l’ensemble, parfois avec des pointes d’humour bienvenues et des personnages qui tirent leur révérence. En tant que création cinématographique, les _Avengers_ ont triomphé et en tant que divertissement, ils ont été invincibles.
**Lire ma critique complète :** https://wp.me/p5woqV-aER

Film gigantesque sur l'univers carcéral des année 50 au USA.
Tim robbins y joue un rôle de détenu prétendu innocent de par sa roublardise et sont intelligence va mettre par terre un système de violence et de soumission absolue orchestrée par le directeur de d'une prison du Maine.
Morgan Freeman est excellent dans son rôle d'ami et de pourvoyeur d'objet en tout genre pour le différent détenu moyennant des paiements (argent,cigarette etc).
A voir absolument pour tout cinéphile avertie attention chef d'œuvre.

Le film "Harry Potter à l'école des sorciers" est un classique intemporel qui a captivé des millions de spectateurs dans le monde entier depuis sa sortie en 2001. Bien qu'il y ait des différences notables par rapport au livre, le réalisateur Chris Columbus a réussi à capturer l'essence de l'univers magique de J.K. Rowling et à le rendre visuellement époustouflant.
Les performances des acteurs principaux, Daniel Radcliffe, Emma Watson et Rupert Grint, sont incroyables pour des enfants débutants dans le monde du cinéma. Les personnages secondaires tels que Hagrid, Dumbledore et Rogue sont également parfaitement interprétés par des acteurs talentueux.
Le film est également remarquable pour ses effets visuels et sa direction artistique, qui ont donné vie aux créatures fantastiques et aux décors merveilleux de Poudlard. Les costumes sont également superbes, avec chaque maison de l'école représentée par des couleurs et des motifs uniques.
Cependant, le film souffre d'un petit problème mineur. Les fans les plus exigeants pourraient être déçus de certaines omissions par rapport au livre.
Dans l'ensemble, "Harry Potter à l'école des sorciers" est un film fantastique qui a su capturer l'imagination des fans de tous âges. Si vous n'avez pas encore vu ce film, je vous le recommande vivement, surtout si vous êtes fan de l'univers magique de J.K. Rowling.

J'attend avec impatience le deuxième !